京剧创新和时尚哪个好，京剧的服装和潮剧的服装在款式上有什么不同啊

来源：整理时间：2024-11-08 07:32:39 编辑：时尚百科手机版

1，京剧的服装和潮剧的服装在款式上有什么不同啊

潮剧是南方戏曲，京剧是北方，不过要论现在的服装，京剧应该是最好的吧

京剧不是北方的,跟京剧听起来比较像的大部分在南方再看看别人怎么说的。

京剧的服装和潮剧的服装在款式上有什么不同啊

2，京尚名家和时尚新锋比哪家好

你是想学摄影还是化妆，我就在五棵松摄影器材城上班，旁边就是他们的教室，京尚名家的摄影萧寒老师和化妆石莹老师连续几年都获得了中国摄影十佳称号，对教授摄影基本功和影视妆有丰富的经验。

京尚名家和时尚新锋比哪家好

3，京剧因如何创新措施

看不到好的前景，创新的前提是创新的人。四大名旦、四大须生，包括张君秋先生等都搞过创新，而且很成功，可那是什么水平的人。现在也在创新，很多离了谱了。什么原因，大家心知肚明。50、60年代有几个一级演员，怹们每人会多少戏；现在一级演员比真正的铁杆戏迷都不少，每个人又会多少戏？没有扎实的艺术功底，培养不了新观众，气走了老观众，谈什么创新？拿什么创新？说些气话，无非是对京剧衰落的无奈。其实，说过之后个人倒觉得，建议与措施也含在里面，有用吗？

没看懂什么意思？

京剧因如何创新措施

4，京剧三大件都是什么

京剧的乐队分为文场三大件与武场三大件。又称文三场，武三场，统称六场，故尔称好的乐手为六场通透。 1·文场三大件：京胡、月琴、弦子。 2·武场三大件：单皮鼓、大锣、小锣。因为二胡是梅兰芳与徐兰沅、王少卿在二十世纪二十年代共同研究后才增加的乐器，与三大件形成的年代相差甚远，况且二胡只有旦角和小生才用，老生、老旦、花脸和丑角唱时都不用。铙钹在过去没有专人执掌，而由弹月琴的代管，打铙钹的方法是一面用一个布垫放在桌子上，一面由人掌着，然后用手上的铙钹击打桌子上的铙钹。设专职铙钹手也是二十年代的事情，当时只限于武戏，文戏用专职铙钹就更晚了。据说老谭一辈子也没用过专职铙钹。同时，文三场的京胡手要代管笛子、唢呐、海笛；月琴手代管唢呐、笛子和铙钹；弹弦子的代管笛子、唢呐、海笛和堂鼓。武三场的大锣手兼镲锅，小锣手兼齐钹和检场，鼓佬兼大堂鼓。“三大件”是很严格的，不能随便给它定位。注：弦子即小三弦，拨弦乐器，三弦之一种，京剧界习称南弦子。在曲调中起节拍作用，是京剧伴奏中主要辅助乐器之一。

5，粤剧与京剧的服装最大的区别是什么

没有根本上的区别。他们都是由中国传统戏曲服装一脉相承下来的，二者之间的服装是有可替换性的。也许只是在纹饰等级与颜色等级上粤剧没有京剧更明确。举个例子：粤剧名演员马师曾演《四郎探母》时的行头是大龙蟒颜色应该偏白（因为是黑白电影所以真正的颜色并不清楚），不插翎，不挂狐毛。而京剧在演出时《四郎探母》则身着红团龙蟒，并插翎挂狐毛。早期戏曲服装都是一样的，这便于剧目的移植，并且都是有百戏之祖的昆曲服饰沿袭下来的。所以如果要探讨粤剧服装和京剧服装的区别在哪，我们只能从新设计的服装来区别。但问题又来了，在新设计的服装中，京剧成功的典范是改良官衣、草龙蟒、改良女靠、箭蟒等传统服饰的修整（改良官衣）（改良女靠）但粤剧的服装改革则越来越偏向写实——还原历史真实服装。（暂缺图片，不好意思呀）。那么区别就出来了：京剧在保留了原有的服装写意性，创新不大，就算是有巨大革新寿命也不长（例如：梅兰芳的早期作品：《一绺麻》如今京剧舞台已不演这出戏了）。粤剧则偏向于写实，但它在传统剧目的演出中依旧承袭旧制，所以改变也并不大。我并不知道粤剧在后期新设计的服装是否和京剧相似：都寿命不长。但可以肯定的是二者的服装基础都是一脉相承，无根本性的区别。另外，我们可以看出粤剧受昆曲影响更大，在演出时几乎没有用老生戏，但京剧却受秦腔影响更大老生戏很是丰富。所以京剧的一些老生戏在粤剧中成为了小生戏如：《四郎探母》（已给出图片）、《斩经堂》等。

6，京剧近来为什么缺少新流派

京剧渐渐脱离了主流市场，观众少演员更少。没有市场演员的动力就没有以前那么足了。别说新流派了老的流派能全部传承下来都不容易！

以下是我的观点。可以从两方面来谈。一是现阶段的演员的艺术造诣确实达不到当初那些创派的艺术家的水准。我不知道能不能达到创派的标准，只能说达不到以往创派的艺术家的标准。所谓艺术造诣，不是指单纯地唱一段或者一出，能不能比得上当年那些创派祖师们（现在的很多演员单纯唱一段或一出确实已经很好），而是指整个的艺术修为比不上。从会的剧目数量、以及能否做出合理的创新等诸多因素比较来看，现在的当红演员与当年创派的艺术家确实存在较大的差距（传统的断裂、艺术实践的不足都是产生这些差距的原因），而这些差距对于能否创派是有很大影响的。因此可以说艺术修为的差距限制了新流派的产生。另一个方面就是现在艺术评论的风气问题。现在这个时代是一个特殊的时代，由于某种原因，这个时代人们所丢失的传统的东西太多（这又是众所公认的），以至于很多人对于创新有着适度甚至过度的排斥。换言之，整个艺术评论的风气（尤其是在戏曲圈的风气）接受新事物的能力很差。即使现在的艺术家真的达到了可以创派的艺术修为，由于社会时代的不同，由于艺术评论风气的不同，他们创出的新流派被人接受的难度，与当年那些流派产生时为公众所接受的难度相比，只会更大。因此可以说是艺术评论的风气也制约了新流派的产生。我认为这两个方面的作用都是巨大的，甚至难以改变的。没有什么办法能够使得现在的演员的艺术修为迅速提高，因为条件有限；也没有什么可以阻挡戏曲圈一定程度上排斥创新的风气，因为这种风气也确实有其存在的合理性（有利于防止丢掉更多的传统）。所以我认为短期内很难，或者说不可能产生新的流派。

7，为什么现在的京剧似乎没以前好看了

　　电影《梅兰芳》上映后，片中美轮美奂的京剧场景令人印象深刻，不少年轻人由此对京剧产生浓厚兴趣。我们一直为如何振兴国粹而思索，如今难题似乎迎刃而解。类似的例子还有很多，比如日本动画片《灌篮高手》曾掀起了中学生的篮球热潮，《棋魂》令一直冷门的围棋在当年成为热门……审美体验的方式，是否真能挽救、激活传统文化样式？　　龚丹韵：您觉得一部作品的走红，可能拉动起一个行业吗？　　梁永安：我记得之前已有电影《花样年华》，让旗袍成为流行。现在的社会是开放的，现代人随时准备接受新变化，喜欢形形色色的新东西，看看那些无处不在的广告镜头，蒙太奇的切换之快，受众早习以为常。时尚流行甚至成为一种精神压力的释放。从这个意义上说，让现代人一下子喜欢起某样东西实在很容易，仅仅一个瞬间、一个镜头，就会喜欢上。但这同时也就意味着，现代人的喜欢往往留于浅表，瞬间情绪过去，可能就雁过无痕了。并不是那种深入理解后真正的入迷。　　京剧也不例外，虽然从艺术体例上说它来自传统，但是对当代年轻人而言它还是很陌生。尤其都市青年大多在电子文化中长大，京剧中的情韵、脸谱、色彩等表现方式，反而显得有点新颖。年轻人开始对京剧感兴趣，也许就是一种对银幕瞬间的好感，离真正喜欢国粹、理解国粹还有不小的距离。　　在京剧真正的全盛时代，它不只是一种艺术，还成为一种生活方式，人们定期聚在茶馆里，每看到精彩处，又拍桌子又吆喝，与台上的角色充分互动。就连19世纪西方的戏剧也是如此，观众觉得没演好，会跑上去和演员说这个角色应该怎么怎么演……文化社会学上把他们叫做主动的观众。如今银幕上的京剧，已经不是那个生活化的国粹了，你不能参与它，不能和它对话，它只是静静在那里呈现，单向输出。　　龚丹韵：那么国粹进课堂，有互动有学习，效果应该更好才对，为什么现实结果却似乎并不尽如人意？　　梁永安：可能还是创新不够，与现代人难以共鸣。京剧诞生时也是创新的产物，近代以来的流派都在原来形式上有创新。就连样板戏也有新尝试，如《打虎上山》用了很多圆号，把现代艺术元素加了进去。到了当下，我们反而没有适应这个时代要求的创新，缺乏触动当代人心的东西。现在的思路一般有两条：一是走偶像路线，在舞美、唱腔、包装上与时俱进，另一条就是保持纯正的古典味。　　事实上，我认为弄得再好看，也未必能在艺术上真正延续和光大。冰冷机械的工业文明中，传统艺术是为数不多的温情补品。比如说京剧，它代表了一种与工业文化相反的诗情画意，微妙的表情、台步、唱腔，蕴含着对人的内心阐释，对世界的情感解读。欣赏传统艺术，是一种静静沉入灵魂深处的精神状态，仿佛可以摆脱工业社会的喧嚣束缚，回归自然，得到片刻心灵自由，这就是经典值得品味之处。若硕果仅存的传统艺术，在大众化中变成时尚的一部分，变成市场的放大，被资本逻辑吞没，那么它作为工业文化对立面的意义就会消失，艺术本身的内涵可能被从此掩埋。　　与大众文化的各种品类相比，京剧似乎注定是寂寞的。工业化中期的社会，也许还不到京剧复兴的时候。　　龚丹韵：想进入品味艺术的状态，需要学养积累。以影视为契机，先引起大众兴趣，再慢慢学起来，不也很好么？　　梁永安：影视有两面性，它把潜在的东西放大，可能有正向作用，也可能有负面效果。比如影视以碎片方式呈现京剧，让大家的眼睛愉悦了一下，很可能以后不够愉悦的真正表演都不想看了，过把瘾就忘。电影固然有一定带动能力，但是工业社会对实用性的追求还是占了上风，京剧缺乏雍容的氛围和环境，指望自发形成对京剧的持续感情很难。　　日本采取的是制度化的方式。大阪神户地区规定，从小学开始，学生每学期都必须去看一次能乐和歌舞剧。小孩的审美观还没建立，固然不能一下子理解经典，但在他们的成长过程中留下了印象，以后只要稍作讲解，就有学养积累，懂得如何欣赏。再举个例子，日本2002年发行psp版奥特曼游戏，一致公认非常粗制滥造，但是居然卖到脱销，正因为它是很多人成长的记忆，大家抱着特殊感情在购买它。人往往对伴随生命成长的东西难以割舍。传统艺术也是如此。　　龚丹韵：其实借着电影的东风，后续衍生品能跟上，还是有可能让京剧热继续深化。比如推出电影中京剧的原声带、开发与电影剧目相关的表演等等，这需要成熟而庞大的文化产业链。　　梁永安：确实，美国很多艺术家自称“40%做艺术，60%做市场”。通过电影，年轻人与京剧巧遇，也许很快就错身而过，但社会的文化运作如果足够成熟，还是有发展的可能。说到底，一个社会接受怎样的艺术，透露出这个时代人的基本心灵发育状态。百多年来的沧桑，让我们的文化传承总是磕磕碰碰，但是我们这个民族的潜意识中还是有种顽强的伦理，源源不断地进行代际传递。例如每年春运，将近两亿人从天南海北往家里赶。这其实是个很值得注意的文化指标，说明民族的文化核心还在延续。　　现在，什么都在摸索中，也就什么都有可能。我们正处在物质生产的奔忙时期，京剧表达出来的价值当下很难有依存感。但是民族生活在根性上有很多千古未变的内容。越是传统的艺术，久经时间洗练，越能从根源上反映生活的本质。或许再经过二三十年的发展，大家不用再为俗事过度奔忙，有余暇追求高品质的活法时，许多传统的东西就会得到重新体认。也就是等这代年轻人进入中年以后，他们可能会重新感受到前人生活的细微灵动，再度与传统文化产生共鸣。

不是变味儿了

不知道“现代京剧”放下身段究竟能吸引或者培养多少观众走进剧场，又或者继续保持这种孤芳自赏其实也挺好，为什么一定要去争取最广泛的观众群体呢？近几年社会上关于“京剧走进课堂”议论纷纷，而大家最关注的其实是对如何更好地保护和弘扬中国优秀传统文化的思考。让京剧走进校园，走进课堂，其目的是为了把京剧作为一种文化来感染孩子，使国粹艺术长盛不衰。但事实上，继承和弘扬传统文化的重任，又远远不止是一个剧种或是几堂课、几个试点学校所能够担负的，它需要社会各界的重视，更需要在实践中逐步探索出更好的方式，让更多的年轻人自觉接受。而实现的途径，在我看来决不是简单粗暴地去掉原本的程式。不知是“现代派”作风，还是为了迎合普通观众的口味，京剧味淡了许多。我对京剧没什么深入研究，讲不出什么唱腔身段的道道来，只是单纯从观剧的角度而言，这种革新并不让我感到愉悦，充斥在舞台上的这些伎俩都是时下小剧场话剧中常见的拙劣的表现手段。有些报纸说它“在台上诙谐幽默的插科打诨以及风趣逗笑的骰子舞等，让人耳目为之一新”，实在觉得很牵强。

应该是比以前好看了才对！的确是吧变味了，变的也的确比以前好看了。你觉得不好看了，或许不是因为京剧本身的原因！